10 grimmige Themen des Todes in westlicher Kunst

10 grimmige Themen des Todes in westlicher Kunst

Kunst ist oft thematische Künstler haben gemeinsame Ideen in verschiedenen Medien und aus verschiedenen Perspektiven im Laufe der Zeit untersucht. Im Mittelalter, beginnend um das 14. Jahrhundert, drehte sich Kunst in Richtung Dunkel. Diese Zeit war oft voller Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit, und zum ersten Mal wurden verschiedene Themen, die sich um den Tod drehten, entwickelt oder stärker untersucht.

10 Plague Art


Es ist unmöglich zu unterschätzen, welche Auswirkungen der schwarze Tod auf die mittelalterliche Gesellschaft hatte. Höhepunkt in Europa irgendwo zwischen 1348 und 1350 mit zusätzlichen Ausbrüchen im Jahr 1361 und in den 1430er Jahren war die Pest ein Bacillus, der je nach Sorte durch den Biss eines infizierten Flohs oder einer Ratte oder durch die Luft beauftragt werden konnte. Die erste Welle des schwarzen Todes tötete schätzungsweise 25-50 Prozent der Bevölkerung in Europa.

Die Pest ließ sich in der mittelalterlichen Kultur spüren, in der die Menschen einen Ausgang fanden, um ihre kollektive Verzweiflung und Depression auszudrücken. Künstler, die früher freudige Szenen gemalt hatten, die fromme Hingabe oder hohe Illustrationen der Erfolge der Menschheit darstellten. Religiöse Themen wurden auch dunkel und konzentrierten. In dieser makabreen Umgebung entstanden sich mehrere Themen in der frühen europäischen Kunst um den Tod, nicht zuletzt die Pest selbst.

Giovanni Boccaccio nutzte den schwarzen Tod als Kulisse für seinen Klassiker Decameron, Eine Geschichte über Männer und Frauen, die aus der Stadt zu einer kleinen Villa fliehen, um der Pest zu entkommen. Die entzückenden Geschichten, die sie beim Verstecken erzählen. Szenen für Bestattungsprozessions-ein gemeinsames Thema in der Kunst, die nicht berühmte Könige oder Heilige wie zuvor, sondern anonyme Pestopfer zeigten, als sie zum Grab geführt wurden. Als immer mehr Menschen die Pest als eine Art göttliche Verurteilung betrachteten, betonte die Kirche die Bedeutung der Erlösung durch religiöses Ritual und Reue als das richtige Mittel zur Bekämpfung der Epidemie, eine Haltung, die sich in Werken wie die Brüder von Limburg widerspiegelt Die Prozession von Saint Gregory (1300) und James Le Palmers Beleuchtung aus dem 14. Jahrhundert für die Omne Bonum, das zeigt Plague -Opfer, die den Segen eines Priesters erhalten.

Realistisch gestrichene Szenen von Patienten, die in Krankenhäusern und zu Hause behandelt wurden, waren weit verbreitet, insbesondere während der Renaissance. Diese wurden oft von genauen Darstellungen der Wunden und geschwollenen Pusteln des Sterbenden begleitet, wie beispielsweise bei Jacopo Robusti's St. Roch im Krankenhaus. ("Pest Saints" waren ein Genre für sich.) Die Szene „Sterbebett“, in der eine sterbende Person feierlich von geliebten Menschen umgeben ist, stammt aus der schwarzen Todeszeit in den 1400er Jahren. Es gab auch einen Trend, skulpturale Figuren an Gräbern als tatsächliche Leichen darzustellen, die oft Anzeichen der Pest oder sogar vollständig skelettelles anstelle von idealisierten Porträts des Verstorbenen tragen. Als der Tod zu einer grimmigen Realität und zum Himmel eine weit entfernte Abstraktion wurde, machte Realismus ein großes Comeback in der europäischen Kunst.

Dies sind nur einige Beispiele dafür, wie der schwarze Tod einen direkten Einfluss auf die Kunst des Mittelalters durch die Aufklärung hatte, was uns bis heute inspiriert. 1988 veröffentlichte Avant Garde Diva Diamanda Galas die erste Platte in ihr Pestmasse Trilogie, Masque des roten Todes, Ein schwarz-inspirierter Blick auf die AIDS-Epidemie, die sicherlich in der Hölle aufgezeichnet wurde.

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9Death als Reaper der Seelen


Alle Kulturen in allen Zeiten und Orten haben den Tod in der einen oder anderen Form verkörpert. Für uns moderne Menschen ist einer der sofort erkennbarsten Personifikationen der Sensenmut. Heutzutage ist er hauptsächlich auf Heavy -Metal -Album -Covers oder Goth -Schmuck gefunden, aber in der mittelalterlichen Welt war er eine authentische Figur des Terrors.

Die Idee des Todes als Schnitter, der eine Sense hält, die er verwendet, um Seelen zu ernten. Inspirationen aus der griechischen Mythologie waren der Titan namens Kronos (den die Römer mit Chronos, dem Gott der Zeit verwechselt haben) und der Bootsmann des Flusses Styx in der Unterwelt namens Charon. Bevor seine moderne Form in Europa vollständig entwickelt wurde, wurde der Tod normalerweise als Leiche dargestellt, das einen Armbrustschrauben, einen Pfeil, einen Bug oder eine andere Waffe mithielt. Während der Pest begann Europa, den Tod als Skelett zu porträtieren, die eine Sense schwang und einen schwarzen (oder manchmal auch weißen) Gewand trugen. Er wurde normalerweise als Leitfaden dargestellt, der in der festgelegten Stunde des Subjekts erscheinen würde, um sie wegzuführen, obwohl er in späteren Geschichten das Leben selbst genommen hat und die Opfer mit ihm betrügen oder verhandeln konnten.

Der Tod als Schnitter ist in jeder Kunst von Kunst in ganz Europa zu finden. Er hat in Stücken, Liedern, Gedichten, romantischer Literatur und Bawds erschienen. Er kavortiert durch die dunkleren Gemälde von Breugel und ist oft die Figur der Kunst „Danse Macabre“. In der Skulptur dient eine Statue eines Bischofs in der Deutschlands Kathedrale von Trier, begleitet vom Sensenmut, als ein gutes Beispiel. Während die Bibel den Tod als Reaper nie darstellte, verwendeten viele Künstler aus dem 15. Jahrhundert das Motiv in biblischer Kunst. Gustave Dores Gravur von Tod auf einem blassen Pferd (1865) ist ein besonders dramatisches Beispiel.


8Der Tanz des Todes


Ein Glaube entwickelte sich in den Pestjahren, in denen die Toten von ihren Friedhöfen auferstehen und alle unglücklichen Passanten in einen gruseligen Tanz des Todes ziehen könnten. Diese folkloristischen Überzeugungen, die von der Periode von Poesie über die Unvermeidlichkeit des Todes und eines traditionellen dramatischen Stücks in Deutschland angeheizt wurden, fanden schnell ihren Weg in die europäische Kunst als gesellschaftliche Allegorie über die Sterblichkeit, die eine weit verbreitete Popularität erlangte. Die Nachricht ist klar in der Danse Macabre-Niemand entgeht dem Tod, daher ist es am klügsten, Ihre Seele auf ihre Zeit der Abrechnung vorzubereiten.

Der Danse Macabre porträtierte die Hierarchie der Klassen, von Papst bis zu Commoner Child, die tägliche Routine betrieben, als sie in die Wartewaffen des Todes gezwungen wurden. Eines unserer frühesten bildlichen Beispiele stammt aus einer Reihe von Gemälden, die 1424-1425 erstellt und früher in der Cimetiere des Innocents in Paris gezeigt wurden. Die Originale wurden 1669 zerstört, aber Pariser Drucker Guy Marchant bewahrte ihre Essenz in einer Reihe von Holzschnitten zusammen mit den Versen, die sie begleiteten.

Das Motiv erreichte seinen ultimativen Ausdruck in Hans Holbein, die Holzschnitte und Verse des Jüngeren Der Tanz des Todes. Es wurde erstmals 1538 als Buch mit 41 Holzschnitten veröffentlicht, während spätere Ergänzungen im Jahr 1545 und 1562 diese Anzahl auf 51 erhöhten. Der gesamte Text sowie alle Holzschnitte finden Sie hier online. Ein weiteres fantastisches Beispiel, dieses in der Malerei, ist Bernt Notke's Danse Macabre. Es wurde während des Bombenangriffs im Zweiten Weltkrieg zerstört, ein Ereignis, das als großer Verlust für Kunst angesehen wurde.

7dance der Skelette


Ein weiteres Thema im Zusammenhang mit dem Tanz des Todes ist der Tanz der Skelette, den wir hauptsächlich durch einen Holzschnitt des deutschen Humanisten und frühen Kartografen Michael Wolgemut kennen, der in den Liber chronicum ("The World's Chronical"), Ein Buch von Hartmann Schplan geschrieben und 1493 veröffentlicht. Der Tanz der Skelette unterscheidet sich vom Tanz des Todes darin, dass er streng auf Folklore basiert, ohne soziale oder moralische Botschaft. Skelette werden normalerweise aus offenen Gräbern abgebildet, kavortieren und oft Musik und Tanzen spielen. Wolgemuts Holzschnitt ist ein schönes Beispiel für das Genre, das verwendet wurde, um den Betrachter zu veranschaulichen, anstatt sie zu erziehen oder zu predigen.

Der Skeletttanz war ein kurzlebiges Thema in der frühen Kunst, mit wenigen überlebenden Beispielen. In jüngerer Zeit trat es in Musik auf, als Camille Saint-Saens seinen 1874 basierte Danse Macabre Über den Tanz des Todes und des Skeletttanzthemen. Im Film haben Walt Disney und Silly Symphonies 1929 das Thema im unsterblichen und oft imitierten kurzen Cartoon „The Skeleton Dance“ wiederbelebt, in dem vier Skelette um einen Friedhof tanzen und die lebenden Bewohner terrorisieren.


6anamorphose und versteckte Symbole des Todes


Anamorphose, was „das Bild im Bild“ bedeutet, ist eine Technik, die manchmal in der Kunst eingesetzt wird, um verborgene Bilder zu erstellen, die nur aus bestimmten Winkeln oder unter den richtigen Bedingungen richtig ersichtlich sind. Es wurde erstmals 1485 in Europa gesehen, als Leonardo da Vinci es benutzte, um ein menschliches Auge darzustellen. Mehrere Künstler haben Anamorphose in Themen des Todes integriert, das berühmteste Beispiel ist Hans Holbein die Jüngeren Die Botschafter (1533).

Das Gemälde ist ein doppeltes Porträt von Jean de Dinteville, dem französischen Botschafter des Hofes Heinrichs VIII., Und seinem Freund aus Kindertagen Georges de Selve, dem Bischof von Lavaur, der auch mehrmals als Botschafter fungierte. Es wurde in den frühen Jahren der Reformation gemalt und ist voller politischer und theologischer Symbolik bei diesen Themen, aber das entzückende Element ist eine seltsamste, verlängerte ovale Form am Boden des Gemäldes, das sich in einen Schädel auflöst, wenn er mit betrachtet wird Das Auge an einer Position in der Nähe der Hand des Bischofs. Einer der Zwecke dieses verborgenen Schädels war es, die mächtigen Spieler daran zu erinnern.

Anamorphose und andere Formen versteckter Bilder wurden seit Da Vincis Tag in der Geschichte der Kunst verwendet. Ein späteres Beispiel ist Charles Allan Gilbert's Alles ist Einbildung (1892), in dem sich eine Dame aus der viktorianischen Ära in einem Spiegel bewundert, der sich mit einer Sehverschiebung in einen Schädel verwandelt. In der Arbeit des ungarischen Künstlers Istvan Orosz finden Sie ein zeitgemäßes Beispiel für Anamorphose mit Todesmotiven, der Illustrationen mit einem mittelalterlichen Holzschnitt schafft, das immer einen Schädel versteckt.

5Death und die Jungfrau


Das Thema des Todes und der Jungfrau kann bis nach das alte Griechenland und die Geschichte von Persephone verfolgt werden, der von Hades entführt und nach der Auswahl der Narzissblume in die Unterwelt gebracht wurde. Eines seiner Themen ist bekannt, dass der Tod alles überwindet, selbst die stolze Schönheit von Frauen-aber im 15. Jahrhundert begann das Thema einzigartige Merkmale zu gewinnen und wurde offen sexuell. Die in den Armen von Leichen oder Skelette umarmten Frauen waren nun in einen intimen Geschlechtsverkehr mit dem Tod verwickelt.

Zwischen Niklaus Manuel Deutsch's Todetänze Und Tod und die Jungfrau (1517) können wir den Übergang tatsächlich sehen. Im ersteren tanz. In letzterem ist der Tod nicht mehr tanz. Die Jungfrau versucht zu widerstehen, aber hilflos dazu.

Diese stark erotischen Bilder, die manchmal von Künstlern verwendet wurden, um die Kirche von Akten von Akten zu rechtfertigen. Ein Gemälde in einer Serie, die zwischen 1518 und 1520 von Hans Baldburg Grien gemalt wurde. Diese Symbolik würde von Edvard Munch in seinem erneut verwendet Tod und Leben (1894).

Eines der mächtigsten modernen Beispiele ist eine Zeichnung des deutschen Avantgarde -Künstlers Joseph Beuys. Es wurde 1959 erstellt und zeigt den Tod und die Jungfrau auf einem Umschlag, der den Stempel einer Organisation von Holocaust -Überlebenden trägt. In dieser Zeichnung sind sowohl der Tod als auch die Jungfrau unmenschlich und ausgetrocknet, ein Beweis für die flüchtige Natur des Lebens und die Billigkeit des Todes in dieser Katastrophe.

Ein ähnliches Thema im Zusammenhang mit dem Tod, das in der Kunst dieser Zeit aufstand. Eine Figur wird nacheinander als Kind oder Neugeborener, junger Erwachsener und schließlich als Frau mittleren Alters dargestellt, bei der der Tod das Thema aus der Bühne zur Unterwelt führt. Ein gutes Beispiel ist Grein's Die drei Altersgruppen des Menschen und des Todes (1510).


4Triumph de la Mort (Der Triumph des Todes)


Das Motiv „Triumph des Todes“ war viel beunruhigender als der Tanz des Todes, das bei den mittelalterlichen Künstlern üblich war. Wie der Tanz war die zugrunde liegende Botschaft, dass die Sterblichkeit unvermeidlich ist, aber im Gegensatz zum „Tanz“ zeigt das Thema „Triumph“ den Tod als Instrument des Chaos und der Zerstörung, ein brutaler Diktator, dessen Schergen alles überragen und alles auf seinem Weg zerstören. Es war besonders mit Kriegszeiten und Pest verbunden. Dieses Thema stammt aus mindestens den 1400er Jahren, da es bereits eine weit verbreitete Idee war, als ein unbekannter Künstler einen Fresko vor dem Hof ​​von Palazzo Sclafaniin, Palermo in Süditalien, malte. Der Triumph des Todes (1445) verfügt über ein Skelett, das mit einem Skelett mit einem Skelettpferd fährt und Pfeile auf seine Ziele schießt, mittelalterliche Dorfbewohner aller Lebensbereichen.

Das unbestrittene Meisterwerk dieses Themas ist Der Triumph des Todes (1562) von Pieter Bruegel der ältere. In dem Gemälde wird ein einst überdachtes mittelalterliches Dorf durch eine Armee von Reapern und Leichen auf ein apokalyptisches Ödland reduziert. Es ist, als ob Bruegel jeden seiner mittelalterlichen Szenengemälde in einer Leinwand ausgelöscht hat. Buchstäblich Hunderte von Darstellungen und Symbolen des Alltags laufen durch das Gemälde, jedes ein wenig Moralspiel, dessen These der Tod ist. Sogar ein König bekommt keine Erschöpfung. Eine Leiche zeigt seine Sanduhr, die keine Zeit mehr hat, und der König erliegt, als eine andere gepanzerte Leiche sich seinem gesammelten Reichtum hilft. Alles ist verloren. Alles ist zwecklos. Der Tod triumphiert am Ende immer.

Der Triumph des Todes wird weithin als eines der wichtigsten Gemälde seiner Zeit angesehen. A Wallstreet Journal In Artikel wurde festgestellt, dass „die Brutalität dieser Bilder Bruegels Bild eine schüchterne und kontinuierliche Relevanz gegeben hat. Es scheint die Beschreibungen des dreißigjährigen Krieges im 17. Jahrhundert zu antizipieren. Am beunruhigendsten aus einer Perspektive des 21. Jahrhundert. Die Ähnlichkeit der Geräte mit der Nazientechnologie der Massenexteration hat viele Zuschauer getroffen.„Solange es Krieg, Hungersnot, Pest und Tod selbst gibt, wird Bruegels Meisterwerk weiterhin ein Gemälde sein, das uns stört, auch wenn es mitschwingt.

3Die dankbarer Tote


Das Motiv der „Grateful Dead“ ist in bildlicher Kunst selten, die häufiger mit Folklore und Literatur verbunden sind. Legenden über die Grateful Dead drehen sich um zwei grundlegende Themen. In der ersten leistet jemand einen Dienst oder eine Gunst für jemanden, der tot ist, z. In der zweiten ist jemand, der dringend Hilfe braucht, einen Friedhof und betet um Hilfe. Die Toten erheben sich dann von ihren Gräbern, um den Lebenden zu unterstützen.

Ersteres stammt aus dem apokryphen Buch des Tobits zurück in die Alten Testamentszeiten. Es wurde später in der Literatur aufgegriffen, insbesondere in den mittelalterlichen Romanzen. Letzteres ist in einem Fresko genannt zu sehen Die Legende der Grateful Dead, Im frühen 16. Jahrhundert von einem unbekannten Künstler in der Schweiz gemalt und 1740 restauriert. Es zeigt einen Mann, der von einer Gruppe von Dieben in einen nicht kritisierten Friedhof verfolgt wird, wo er kniet, um zu beten. Bevor die mörderischen Diebe ihn erreichen können, brachen die Gräber um ihn herum mit den Leichen der Toten aus, die sich beeilen, den Mann mit Stöcken und Skythen zu verteidigen, dankbar für die Gebete, die es ihnen erlauben, in Frieden ruhen,.

Die Botschaft der Grateful Dead Stories unterscheidet sich stark von den meisten todbezogenen Themen der europäischen Kunst, vielleicht weil Erinnerungen an die Pest zurückgegangen sind und sich mehr Menschen sich positiv über die Zukunft einlassen konnten. Sie erinnerten die Lebenden daran, an ihre Lieben zu denken und sie in ihren Gebeten zu halten und an diejenigen zu erinnern, die weg waren.

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2Skulls in Art


Vielleicht hatte keine andere Ikone einen so universellen Einfluss auf Symbolik und Kunst als der menschliche Schädel. Seine symmetrischen Merkmale sind für das Auge visuell ansprechend, auch wenn der offensichtliche Zusammenhang mit dem Tod gleichzeitig fasziniert und sich abfällt. Praktisch jede Kultur hat sie genutzt, meisten Dia de Los Muertos („Tag der Toten“) Festivals.

Der Schädel wird oft zusammen mit anderen verwandten Objekten in Stilllebensgemälde integriert. Manchmal wurde es irgendwo in einem Gemälde als Ankundung des Todes verwendet oder auf den Rücken von Porträts gemalt, um dem gleichen Zweck zu erfüllen. Ein Schädel könnte auch als Ersatz für das tatsächliche Thema in einem Porträt verwendet werden, wenn diese Person tot war. Im Braque -Familie Triptychon (1452) Von dem niederländischen Maler Rogier Van der Weyden wird ein Schädel nicht nur als a dargestellt Gedenke des Todes aber eine Darstellung des Patrons, dessen Leistungen auch durch den Ziegel- und Familienwappen symbolisiert werden. Der Schädel war ein häufiges Merkmal von Schmuck auch im Mittelalter, da Männer und Frauen der Oberschicht gleichermaßen Medaillons trugen, die mit Gesichtern auf der einen und Schädel eingraviert waren, um an den Tod und die Verpflichtung, moralisches Leben zu führen.

Aufgrund ihrer ästhetischen Attraktivität wurden Schädel oft auch für nichtsymbolische und rein dekorative Zwecke verwendet. Cezannes Die drei Schädel (1900), eines von mehreren Gemälden, die er aus dem Subjekt gemacht hat, kombiniert Elemente des Impressionismus und Expressionismus und erzeugt komplexe Interaktionen von Licht und Form, die eine technische und emotionale Bedeutung haben, aber ohne die Betonung der symbolischen Bedeutung, die frühere westliche Darstellungen von Schädeln charakterisierte. Bis zum 18. und frühen 19. Jahrhundert war der Schädel zu einem Symbol für Piraten und dann Rakes, Ne'er-Do-Wells und Outlaws geworden. Diese Verwendung wird heute fortgesetzt, wie in Mode und Schmuck von Bikern, Punkrockern und anderen antiautoritären Subkulturen zu sehen ist.

1anatomie als Kunst


1697 beeindruckte der niederländische Anatomist Frederik Ruysch Peter so, dass der russische Zar die gesamte Sammlung seiner Arbeiten aus Ruyschs anatomischer Museum kaufte. Anatomische Darstellungen von konservierten menschlichen und tierischen Leichen und Skelette waren nicht neu, und auch nicht die Art von Ermonokungsunterschriften, die oft auf Plaketten gelegt wurden, um die Szenen zu beschreiben, aber was Ruyschs Arbeit einzigartig machte, war, dass er sein Bestes tat, um die darzustellen Schönheit Anatomie und Tod.

Mit der Renaissance in vollem Gange und der Erinnerung an Pest zurückgegangen, brachte die Blüte der modernen Wissenschaft neue Einstellungen zum Tod und zum Sterben mit sich. Der Tod konnte wieder als Zyklus gesehen werden, ein Gegenstück zum Leben, das genauso wichtig und ergreifend war. Ruysch versuchte, diese Ideale in seiner Arbeit zu erfassen, die die Einbalsamierungstechniken mit skulpturalen und malerischen Konzepten kombinierten, um Werke zu schaffen, die mumifizierte Kinder einbezogen und Feten und Skelette mit stillem Leben und künstlerischen Verzierungen bewahrten, die mit anderen anatomischen Details, einschließlich Bäumen und Buschform, geschaffen wurden, geformt wurden. aus menschlichen Arterien und Felsen aus Nierensteinen gebildet.

Ruysch setzte seine Arbeit im 17. Jahrhundert fort. Leider überlebt keine seiner Dioramen heute, obwohl einige in Gläser aufbewahrte dekorierte Babys immer noch existieren. Wir kennen sie dank der Arbeit von Gravage, hauptsächlich Cornelius Huyberts, der sie in der veröffentlichte Thesaurus anatomicus.

Lance Leclaire ist freiberuflicher Künstler und Schriftsteller. Er schreibt über Themen, die von Wissenschaft und Skepsis, Atheismus, Religionsgeschichte und Themen bis hin zu unerklärlichen Geheimnissen und historischen Kuriositäten reichen, unter anderem. Sie können ihn auf Facebook nachschlagen oder ein Auge für seine Artikel in Listverse behalten.