Zehn von Hollywoods besten Filmen über Mutterschaft

Zehn von Hollywoods besten Filmen über Mutterschaft

Filme haben unsere Aufmerksamkeit auf sich gezogen und unsere Gefühle angesprochen, seit Thomas Edison die Filmkamera zum ersten Mal erfunden hat. Im besten Fall haben Filme nicht nur die menschliche Fantasie in die menschliche Phantasie eingebunden und fantastische Welten von Monstern, Außerirdischen und Superhelden geschaffen, die uns erschreckt haben und uns auf den Rand unserer Sitze gebracht haben, sondern sie haben uns auch zum Lachen und Weinen in Situationen gebracht, in denen wir uns kann sich alle beziehen.

Vielleicht appelliert keine einzelne Filmstoryline für die Sentimentalität der einzelnen Menschen mehr als diejenigen, die Mutterschaft und die einzigartige Beziehung, die jeder von uns hat, zu der einen Person, der uns in diese Welt gebracht hat. Egal, ob Sie selbst Mutter sind oder nur dankbar für die Mutter, die Sie seit dem Tag, an dem Sie geboren wurden.

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10 Dumbo

Disneys "Dumbo" - Baby Mine

1938 sind die Brüder Roy und Walt Disney frisch vom Erfolg ihres animierten Features Schneewittchen und die sieben Zwerge Ein Jahr zuvor belohnte sie ihre Eltern mit einem neuen Zuhause in Los Angeles. Das hochmoderne Haus umfasste moderne Annehmlichkeiten wie ein Gasofen. Tragischerweise führte ein Gasleck aus diesem Ofen zum Tod der Mutter der Disney -Brüder. Viele glauben, dass der Verlust ihrer Mutter zu einem Thema führte, das in vielen Disney -Filmen weit verbreitet ist, von Bambi Zu Aschenputtel, Ein Waisenkind, der darum kämpft, den Tod eines geliebten Elternteils zu überwinden.

In einem der größten Animationsfilme der Disney Studios ist das Thema nicht der Tod der eigenen Mutter, sondern die Trennung von Mutter und Kind. Kein Film hat dies bewegender als der geliebte Fantasy -Film von 1941 aus dem Jahr 1941 dargestellt Dumbo. Nachdem er in einem Zirkuswagen eingesperrt war, weil er ein „verrückter Elefant“ war, Frau, Frau. Jumbo, die Mutter des Baby Pachyderm, hat einen kurzen Moment mit ihrem Sohn. Sie konnte ihn nicht sehen, sie wiegt den kleinen Elefanten mit ihrem Koffer. Wenn Sie diese berühmte Sequenz angesehen haben und es nicht geschafft haben, mit der Erfahrung mit Misty-Augen zu achten, prüfen Sie, ob Sie einen Puls haben. Dein Herz fehlt möglicherweise.[1]

9 Bedingungen der Zärtlichkeit

Begriffe der Zärtlichkeit (1983) Trailer #1 | Movieclips klassische Trailer

Was können Sie mehr über einen Spielfilm sagen, der sich auf die 30-jährige Beziehung zwischen einer Mutter und einer Tochter konzentriert, die nicht nur ein kommerzieller und kritischer Erfolg war, sondern auch fünf Oscar-Verleihungen, einschließlich der besten Schauspielerin und des besten Bildes? Ist es der größte Film, der jemals mit den Freuden und Schmerzen der Mutterschaft umgegangen ist? Nicht unbedingt, sondern die Aufführungen von Shirley Maclaine als Witwe Aurora Greenway und Debra Flügelspieler, als ihre Tochter Emma mit vielen Frauen sprach, die sich auf die liebevolle, aber manchmal umstrittene Beziehung zwischen den beiden beziehen konnten. Und diese Spannung wurde wahrscheinlich durch die Unfähigkeit beider Schauspielerinnen verstärkt, während der Produktion miteinander auszukommen.

Vielleicht könnten sich andere auf die eheliche Instabilität von Emma mit ihrem Professor-Ehemann Flap oder Auroras in der Beziehung zu Astronaut Garrett Breedlove beziehen, die von Oscar-Gewinnerin Jack Nicholson denkwürdigerweise gespielt wird. Interessanterweise Direktor James L. Brooks, der auch das Drehbuch schrieb, schrieb die Rolle des Astronauten speziell für Burt Reynolds. Er lehnte jedoch den Teil ab, der im universell gepanne Cannonball Run II stattdessen. Als später nach seiner Entscheidung gefragt wurde, das Angebot, in dem preisgekrönten Film zu handeln.”[2]


8 Stella Dallas

Stella Dallas (1937) - Ende

In einem der weinstens am meisten über die Opfer der Mutterschaft produzierten Filme, Barbara Stanwyck, dem Star vieler Klassiker von Doppel Entschädigung Zu Die Lady Eva, gab ihr wohl die größte Bildschirmleistung im Tränen von 1937 Stella Dallas. Verwenden Sie die klassische Formel der unglücklichen Romantik des armen Mädchens/einer reichen Jungen, die den Höhepunkt der Popularität mit den 1970er Jahren erreichen würde Liebesgeschichte, Stella Dallas zeigt eine Geschichte mit einer anderen Wendung, die sich mehr auf die Beziehung zwischen Mutter und Tochter und die Hindernisse konzentriert, die durch die Klassenunterschiede der Eltern geschaffen wurden.

Für weitere Betonung, dass Stella von der „falschen Seite der Tracks“ stammt, wurde „Ma Kettle“ selbst als ihre Mutter Marjorie Main besetzt. Die beiden Welten, die Stella und ihr Ehemann Stephen haben, sind die Produkte von unüberwindlichen Hindernissen in ihrer Beziehung, die letztendlich zu ihrer Trennung führen. Wenn Stephen wieder mit einer alten Flamme verbindet und um eine Scheidung bittet, wird ihre Tochter Laurel zu einem Bauer, der letztendlich Stella dazu führt, das ultimative Opfer als Mutter zu bringen.

Die Schlussszene von Barbara Stanwyck beobachtete ihre Tochter auf dem Bildschirm, gespielt von Anne Shirley, als eine der emotional beeinflussten Szenen in der Filmgeschichte. Viele glauben bis heute, dass es Stanwyck die beste Schauspielerin Oscar hätte machen sollen, eine Auszeichnung, die sie schockierend nie gewonnen hat.[3]

7 Die blinde Seite

The Blind Side (2009) - Leigh Anne nimmt Michael Oher mit nach Hause

Wer sagt, ein Film über Mutterschaft muss traurig und emotional anstrengend sein? Im Film 2009 Die blinde Seite, Themen der rassistischen Vorurteile, der Adoptivmutterschaft und des Sports wurden kombiniert, um eine Geschichte (basierend auf einem echten) über eine Familie weiße Memphis zu schaffen, die einen jungen afrikanischen Jugendlichen aufnimmt und ihm hilft, einen Weg zu finden, der letztendlich zu einem führt NFL -Karriere. Für Sandra Bullock würde es nicht nur ihre kritische Anerkennung verdienen, sondern ihr auch die einzige beste Schauspielerin ihrer bisherigen Karriere erzielen.

Ironischerweise lehnte Bullock ursprünglich dreimal die Rolle im Film ab und zitierte ihre Beschwerden, die eine Figur spielt, die ein frommer Christ ist. Nachdem sie jedoch die echte Leigh Anne Tuohy getroffen hatten, die sie auf dem Bildschirm spielen würde, wurde ihr Verstand verändert. Bullock gab später zu, dass sie dank der Tuohys jetzt „Vertrauen in diejenigen hat, die sagen, dass sie einen Glauben darstellen“ und dass „religiöser Glaube authentisch sein kann.Vielleicht, was am beruhigendsten und erhebend ist Die blinde Seite Ist das in einer Welt, die oft durch rassische und religiöse Vorurteile geteilt ist.[4]


6 Mildred Pierce

Mildred Pierce Endszene - Joan Crawford

Die legendäre Schauspielerin Joan Crawford würde endlich ihre einzige beste Schauspielerin Oscar für ihre erste Hauptrolle in den Warner Brothers Feature schnappen Mildred Pierce. Nach einem 18-jährigen Vertrag mit MGM verschraubte Crawford für das konkurrierende Studio, nachdem er 1938 von der Independent Theatre Owners Association of America zum „Kassengift“ erklärt worden war.

Als sie als Führung in der Mildred Pierce, Regisseur Michael Curtiz, der entweder Bette Davis oder Barbara Stanwyck für den Teil bevorzugte, rebellierte und angeblich gemurmelten: „Warum sollte ich meine Zeit damit verschwenden?Nachdem er Crawfords Bildschirmtest gesehen hatte, änderte er jedoch seine Meinung. Spielen Sie die Rolle einer geschiedenen Frau, die zu einem erfolgreichen Gastronomen wird und gleichzeitig die übermäßig nachsichtige Mutter einer verwöhnten, egoistischen jugendlichen Tochter, Crawford, Excels ist. Es war ein bahnbrechender Teil eines starken Protagonisten in einem Genre, das typischerweise von männlichen Leads dominiert wurde, Film Noir. Ironischerweise war Ann Blyth, der ihre Tochter Veda spielte, mit Crawford verbunden, und die beiden wurden lebenslange Freunde vom Set. Als Crawford später von ihrer Adoptivtochter Christina in ihrer „Tell-All“ -Biographie des Missbrauchs beschuldigt wurde Mama am liebsten, Blyth kam zur Verteidigung ihrer Freundin und sagte: „Ich habe nur wundervolle Erinnerungen an Joan.”[5]

5 Ich erinnere mich an Mama

Ich erinnere mich an Mama - Trailer

Adaptiert aus dem John Van Druten -Bühnenspiel und Regie von George Stevens, 1948, Ich erinnere mich an Mama war eine nostalgische Darstellung einer kämpfenden norwegischen Familie mit Einwanderer in San Francisco der Jahrhundertwende. Der Film wurde von einer starken Besetzung verankert und wurde für fünf Academy Awards nominiert, obwohl er keinen einzigen gewann.

In der Titelrolle glänzt Irene Dunne, eine legendäre Schauspielerin, die heute für ihre Zusammenarbeit mit Cary Grant in einigen der größten Screwball -Komödien von Hollywood besser bekannt ist. Die älteste Tochter, Katrin, eine aufstrebende Autorin, ist die zentrale Erzählung wohl eine weibliche Variation von Die Waltons, wenn auch in einer anderen Zeit festgelegt. Obwohl Dunne zum Zeitpunkt der Produktion fünfzig war, erschien er für die Rolle zu jugendlich und musste Make -up und Körperpolstere verwenden, um die Rolle der Mama glaubwürdig zu spielen. Dunne beherrschte auch einen norwegischen Akzent mit Hilfe des Dialekttrainers Judith Sater geschickt beherrscht.

Für ihre Leistung erhielt Dunne ihre fünfte und letzte Nominierung für die beste Schauspielerin, die es versäumt hatte, jemals einen wettbewerbsfähigen Oscar zu gewinnen. In einem Leben nach dem wirkenden Leben, das ihr einen päpstlichen Ritter als Dame des Ordens des Heiligen Grabes und als Ehre des Kennedy Centers für ihren Dienst an den Künsten einbrachte „Die First Lady von Hollywood.”[6]


4 Stahlmagnolien

Stahlmagnolien (2/8) Filmclip - 30 Minuten von Wonderful (1989) HD

Als ultimativer „Chick Flick“, der darauf ausgelegt war, ein trockenes Auge im Publikum zu hinterlassen, das Comedy-Drama von 1989 Stahlmagnolien in Spaten geliefert. Mit der Schauspielerin, die Forrest Gumps Mutter, Sally Field, spielte und die Mutter des baldigen Superstars Julia Roberts spielte, und einer Ensemble-Besetzung von Shirley Maclaine, Olympia Dukakis, Daryl Hannah und jedermanns Lieblings-Dolly Parton als wichgedes Kosmetiker, was was, was für eine Kosmetikerin, was für eine Kosmetikerin ist, was für eine Kosmetikerin ist, was für ein Wigged-Kosmetiker, was Gab es nicht zu mögen? Anscheinend nicht viel. Nachdem er 16 Wochen lang in den Kassen Top Ten erschienen war, Stahlmagnolien weltweit über 95 Millionen US.

Aus einem von Robert Harling aus einem Jahr 1987 angepassten Spiel stützte er die Geschichte zum Teil auf seiner Schwester Susan, die aufgrund von Komplikationen von Typ -1 -Diabetes starb. Der Film fand mit Müttern und Töchtern und einigen Männern mit, obwohl männliche Charaktere eine minimale Rolle spielten und die viel stärkeren weiblichen Persönlichkeiten in der Geschichte nur begrenzte Unterstützung bieten. Die Stärke der Frauen und ihre Fähigkeit, sich in Zeiten der Tragödie zu verbinden.[7]

3 Junggesellenmutter

Junggesellenmutter - das Baby füttern

Obwohl sie heute am besten als die Tänzerin bekannt ist, die alles getan hat, was Fred Astaire getan hat, außer „rückwärts und in High Heels“, war Ginger Rogers auch Oscar -Gewinner auf dem Höhepunkt ihres Ruhmes. Sie bekam das Nicken als beste Schauspielerin für ihre dramatische Leistung im Film von 1940 Kitty Foyle. Aber die freche Blondine aus Streetwise aus Kansas City war nie besser als als sie ihre Vorliebe für das komödiantische Timing ein Jahr zuvor als Verkaufsgirl in der romantischen Komödie blitzte Junggesellenmutter.

In einem von „falschen Identitäten“ geräumten Film wird Rogers als unverheiratete Mutter angenommen, nachdem ein Baby vor ihrer Haustür verlassen wurde. Die Verwirrung führt zu einer Romanze mit dem Sohn des Chefs, gespielt von David Niven. Ebenso findet das Foundling-Säugling auch seinen Weg in ihr Herz, während Rogers Karriere-Girl-Charakter ihren unerschlossenen mütterlichen Instinkt entdeckt.

Der Film unter der Regie von Garson Kanin gelang es irgendwie, die Zensoren mit dem zu umgehen, was 1939 ein räumliches Thema war. In der Weihnachtszeit und Silvester, bemerkenswerterweise, wird dieser Film in den klassischen Weihnachtsfilmen nie erwähnt. Heute bleibt es ein vergessenes Juwel, das modernere Zuschauerzahlen als einer der großartigen Filme aus dem, was noch als Hollywoods größtes Jahr angesehen wird, verdient.[8]


2 Nachahmung des Lebens

Vorschau -Clip: Nachahmung des Lebens (1934, Louise Beavers, Claudette Colbert, Fredi Washington)

Adaptiert aus dem Fannie Hurst -Roman von 1933, Nachahmung des Lebens wurde zum ersten Mal ein Jahr später an die Leinwand angepasst und mit Claudette Colbert mit ihrem Black Maid Delilahs Pfannkuchenrezept ein Geschäftsimperium aufgebaut. Douglas Sirks visuell atemberaubende Version von 1959 warf Lana Turner in Führung und verwandelte ihren Charakter in eine aufstrebende Schauspielerin. Die Geschichten der beiden Filme basieren auf den Kämpfen zweier alleinstehender Frauen, die Töchter aufziehen.

In Sirks Remake wird Louise Beavers Maid Delilah durch Juanita Moores Annie ersetzt, die eher eine Kindermädchen für die beiden jungen Mädchen ist und deren Beziehung zu ihrer Tochter Sarah Jane viel mehr ein Schwerpunkt ist als die Beziehung zwischen Mutter und Tochter in der Vorherige Filmversion. Im Zentrum der zentralen Erzählung des Films steht Annies hellhäutige Tochter, gespielt von Susan Kohner, der versucht, während des Höhepunkts der Bürgerrechtsbewegung in Amerika als „Weiß“ zu gehen.

Wie beim Film von 1934 konnten viele Zuschauer mit Sarah Janes Wunsch nach Gleichheit sympathisieren, aber ihre Ablehnung ihrer liebevollen afroamerikanischen Mutter entsetzte viele, insbesondere das schwarze Publikum. Das Finale des Films für die schuldgefügte Tochter, die sich auf den Sarg ihrer verstorbenen Mutter wirft, ist ein Bauchgeschlagen. Obwohl viele Kritiker im Jahr 1959 den Film als Seifenoper verspotteten, viele heute, wie Emanuel Levy, Achtung Nachahmung des Lebens Als eines der Meisterwerke der 1950er Jahre.[9]

1 Orte im Herzen

Orte im Herzen (1984) - Trailer

Sally Field erhielt 1984 ihren zweiten Oscar für die beste Schauspielerin und spielte eine Witwe der Depression aus der Zeit, die versucht, zwei Kinder großzuziehen und die Familienfarm zu retten. Mit einer Ensemble -Besetzung, zu der Danny Glover als arbeitsloser Drifter und John Malkovich als blind Rio Bravo. In einer bewegenden Darstellung des Lebens in Waxahachie, Texas, in den 1930er Jahren war dieser Film eindeutig eine Liebesarbeit für Regisseur und Drehbuchautor Robert Benton, der auch einen Oscar für sein ursprüngliches Drehbuch aufnahm.

Im Laufe des Films entwickelt sich Fields Charakter von einer engagierten Mutter und einer Hausfrau zu einem unabhängigen Landwirt und einer Geschäftsfrau. Sie muss auch die nicht beneidenswerte Aufgabe übernehmen, Vater zu sein, und verprügelt widerstrebend ihren Sohn, nachdem er in der Schule rauchen erwischt wurde. Aber was die Geschichte antreibt, ist die Authentizität der Charakterisierungen, die so echt erscheinen wie die Kostüme und der Ort, an dem die Geschichte festgelegt wurde. Filmkritiker Molly Haskell nannte Fields dreidimensionale Aufführung einer Mutter „ihre beste Leistung aller Zeiten.„Es ist sicher.[10]